Innehåll
- 01. Hitta lite inspiration
- 02. Gör en grov skiss
- 03. Börja förfina linjekonsten
- 04. Välj en färgpalett
- 05. Färg linjen
- 06. Utveckla ansiktsdetaljerna
- 07. Färga ansiktet
- 08. Använd blandningslägen
- 09. Glöm inte skuggorna
- 10. Lägg till hår och vingar
- 11. Ta dig tid att skapa en effektiv arbetsyta
- 12. Förstå hur ansiktet fungerar
- 13. Konstruera en outfit
- 14. Gör slutliga tweaks
Jag gillar verkligen att arbeta i färg, oavsett om det är i Photoshop CC eller att måla traditionellt med akvareller. Levande färger gör ofta en illustration mer dekorativ, men det finns också en risk att den blir platt. Du kan dock motverka detta genom att lägga till en känsla av volym på rätt platser i hela kompositionen.
- Skaffa Adobe Creative Cloud
I den här självstudien delar jag de konsttekniker som jag använder för att skapa ett ljust och lätt porträtt i Photoshop. Titta på videon nedan för att se min screencast för den här handledningen, eller bläddra ner för att läsa steg-för-steg-guiden. För mer råd om porträtt, ta en titt på vår artikel om hur man ritar människor.
- Ladda ner de anpassade penslarna för den här handledningen här
För inspiration studerar jag ofta klassiska artister. Du kan lära dig mycket av dem, till exempel hur du styr tittarens öga med hjälp av ljus, skuggor och färg. Jag gillar särskilt konsten från Klimt, Mucha och Van Gogh.
Klimt kunde fånga en stark känsla av karaktär och natur med penseldrag och färger. Jag älskar Muchas konst. Han skildrade feminin skönhet perfekt och hade ett öga för dekorativa detaljer, lysande komposition och underbara färger. Och Van Gogh var bara ett geni.
01. Hitta lite inspiration
Det första jag gör innan jag börjar med en illustration är att bläddra igenom min inspirationsmapp. Inuti finns gott om undermappar som innehåller bilder av belysning, ansikten, mänskliga figurer, kläder, illustrationer från mina favoritartister, djur, larver, blommor och mycket mer.
Jag tittar snabbt igenom några mappar med tanke på mitt tema eller min arbetsuppgift. Jag märker vad som får en viss bild att se bra ut, vilken känsla den tar fram i mig eller vad som faktiskt är vacker i den. Min egen idé kommer från att studera dessa bilder. När du arbetar med färg är det mest inspirerande: naturen: blommor, fjärilar, larver, särskilt tropiska arter.
02. Gör en grov skiss
Därefter måste jag visualisera min idé, så jag producerar en serie små skisser som består av flytande linjer. Detta fungerar både som en uppvärmningsövning och som ett sätt att fokusera på uppgiften. När jag har ritat färdigt begränsar jag alternativen och fortsätter att förfina dem tills den bästa är redo att användas som bas.
03. Börja förfina linjekonsten
Jag skapar ett nytt lager, minskar sedan skisslagrets opacitet och väljer en ogenomskinlig borste. Sedan skapar jag ett nytt lager på linjen. Jag försöker göra detta så rent som möjligt så att det inte finns några onödiga linjer, och varje slag och punkt tjänar ett syfte. Jag lägger ner flytande, mjuka linjer för detta porträtt av en ganska ung kvinna, eftersom de hjälper till att skapa rätt stämning i stycket.
04. Välj en färgpalett
Som jag sa tidigare är naturen en stor inspirationskälla, särskilt för att utveckla färgkombinationer. Se till exempel hur djärva färgerna är på insekter och fiskar. Så följ naturens ledning: välj en livlig färg, välj en stor mjuk borste och börja rita. Jag väljer färger som jag vet fungerar bra tillsammans och kommer ihåg att varje färg har sin ton. Det är bäst att inte rusa det här steget.
05. Färg linjen
Jag vill behålla en del av min konst i min slutliga bild. Det finns ett intressant sätt att göra detta: Jag låser transparenta lagerpixlar på linjelagret, väljer den stora mjuka borsten och målar i mina färger. Resultaten varierar - ibland är de i samma ton, ibland är de mörkare och ibland är de ljusare och ljusare. Oavsett resultatet kommer det att lägga intresse för ditt konstverk.
06. Utveckla ansiktsdetaljerna
Min favoritdel av illustrationen är att måla ansiktet. Eftersom jag har valt att hålla konturen på plats i det färdiga stycket känner jag att den här illustrationen blir mer dekorativ och grafisk. Jag försöker lägga till volymetrisk skuggning bara på några få ställen, och samtidigt jobbar jag med att forma en näsa, läppar och ögon. För det mesta arbetar jag med en stor mjuk borste, men jag använder en texturerad borste för höjdpunkterna. Det är alltid spännande att måla!
07. Färga ansiktet
Jag förfinar ansiktsfärgerna med principerna för varmfärgsteori. I den här bilden målar jag med ljusa, levande färger: skuggorna är orange och ljuset är kallare. Ibland är det svårt att göra allt på en gång. En lösning är att först måla ansiktet med en neutral hudfärg med hjälp av skuggtekniker, snarare än att helt enkelt fylla i ansiktet med en enda ton, sedan skapa ett nytt lager, ställa in det till antingen hårt ljus eller mjukt ljus och lägga till orange i skuggor och en ljuslila till de ljusare områdena.
08. Använd blandningslägen
Jag använder ofta en rad blandningslägen: Mjukt ljus, hårt ljus, överlägg, multiplicera och färg. Alla (förutom Multiplicera) hjälper mig att skapa ljusa, mättade färger. Försök skapa ett nytt lager och ställ in blandningsläget till Soft Light. Välj sedan en stor mjuk borste, välj en ljus färg och experimentera här och där på din duk.
09. Glöm inte skuggorna
Jag gillar alltid att experimentera med färg. Det är lättare att göra detta i ljusa områden på duken, men glöm inte skuggorna - försök måla med ljusa och mättade färger. Det finns inget behov av att göra detta med alla dina skuggor; det kan bara vara i en liten del av din illustration. Här har jag valt en ljusröd färg. Detta kommer att lägga till variation i min övergripande färgpalett och säkerställer att mina skuggor inte blir tråkiga och tråkiga.
10. Lägg till hår och vingar
Jag lämnar ansiktet som det är och riktar min uppmärksamhet mot håret. Jag målar den i lila med blåaktiga höjdpunkter och bestämmer mig sedan för att lägga till rosa i skuggan. Jag gillar den här effekten eftersom den gör det möjligt för mig att bli av med den starka mörka skuggan på botten, som annars kan visa sig distraherande för betraktaren.
11. Ta dig tid att skapa en effektiv arbetsyta
Jag håller tre fönster öppna under min målningsprocess. Jag målar i huvudfönstret, men har också en mindre version av min WIP så att jag kan se hur bilden utvecklas och upptäcka eventuella misstag, och en svartvit version som gör att jag kan kontrollera mina värden.
För att ställa in din arbetsyta, gå till 'Fönster> Ordna> Nytt fönster för ... (namn på din fil)', en gång för liten version och andra gången för svartvitt. För att ställa in det svarta och vita fönstret, gå till ”Visa> Korrekturinställning> Anpassad> Enhet att simulera> sGrey”. Tryck sedan på ctrl + Y när det svarta och vita fönstret är aktivt.
12. Förstå hur ansiktet fungerar
Som konstnär är det viktigt att kunna rita ett ansikte. Du måste känna till anatomin och kunna föreställa dig den som en förenklad geometrisk form. Jag skulpterar ofta ansikten i lera, vilket är ett utmärkt sätt att bryta ner ett ansikte i grundläggande strukturer som en sfär (ett öga) eller två cylindrar (läpparna). Och varje form har sin egen skugga, ljus och höjdpunkt.
13. Konstruera en outfit
Eftersom det här är en stiliserad illustration behöver jag inte rita figurernas klädesblad realistiskt. Det är därför jag skapar mjuka övergångar av färg med ljusa, subtila streck. På bara några ställen lägger jag till kontrasterande skuggor, vilket hjälper till att öka volymen. Att placera en gren på ena axeln hjälper till att ge visuellt intresse för höger sida.
14. Gör slutliga tweaks
Jag granskar områden som behöver poleras och justerar färger med hjälp av Nivåverktyget. Med verktyget Selektiv färg kan jag justera enskilda färger under denna översyn. Slutligen lägger jag till ett lager av ljud i min bild, lutar mig tillbaka och kallar det gjort.
Den här artikeln publicerades ursprungligen i ImagineFX, världens bästsäljande tidning för digitala artister. Köp nummer 156 eller prenumerera.
