Innehåll
- 01. Börja med skissen
- 02. Förgrund, mellanliggande och bakgrund
- 03. Gör posen själv
- 04. Testa silhuetten
- 05. Tänk på skuggorna
- 06. Brännvidd
- 07. Asymmetrisk, inte symmetrisk
- 08. Tänk på din ram
- 09. Tyngdlagar
- 10. Fuska
Du har skapat den coolaste nya karaktären någonsin. Du visar det för din regissör eller klient - och de gäspar bara. Chansen är att det inte var din design, skulptera eller måla jobbet, utan din pose.
En T-pose skär det bara inte idag. Tänk på din pose som ett sätt att sälja din idé. Om det inte spelade någon roll skulle du ha skyltdockor, inte modeller, på modevisningsbanor.
Jag har haft fördelen av att arbeta tillsammans med några av de mest begåvade illustratörerna; folk som gör stillbilden dynamisk och intressant. Det är lätt att fånga ögat med något animerat, men när du kan få en stilla känsla att leva, har du något.
Här ska jag täcka ämnen som hjälper dig att göra dina bilder och animationer dynamiska. Vissa saker kommer du att veta, andra måste du påminna om och andra bör vara nya - så låt oss komma till det.
01. Börja med skissen
Ett stort misstag är att bara hoppa in med ditt valprogram och börja posera bort. Börja med en serie lösa skisser av din pose. En gestskiss kommer alltid att ha mer energi än någon helt renderad bild, och du vill utnyttja det.
Du behöver inte göra något detaljerat - ju lösare skissen är, desto bättre. Använd sedan den som din färdplan och använd 3D för det den är bra för: spela med kameravinkeln och positionen för att ge ännu mer intresse och dynamik.
Om din slutliga ställning är stel, se tillbaka på din första skiss. Du kommer säkert att hitta något som du saknade och snabbt kan åtgärda. Se till att dina händer inte är bundna av skissen: om något fungerar bättre i din sista ställning, gå med den.
02. Förgrund, mellanliggande och bakgrund
Tänk på att ha en tydlig förgrund, mellanliggande och bakgrund i din bild. Detta är viktigare när man poserar flera figurer eller scener.
Disney-animatörer lärde sig denna princip för decennier sedan, och den fick en ny färgfärg med Deep Canvas-systemet som antogs för Tarzans animerade film. Var inte blyg för din separering av djupplan: om du är mild med det kan du lika gärna inte använda det alls.
Ta verkligen något på nära håll som ett förgrundselement; låt det beskära. Du kan använda skärpedjupet för att trycka på effekten. Ett annat sätt att betona utseendet är med atmosfären: låt avståndsobjekten påverkas av dis, ljusaxlar, snö eller flygande smuts eller rök.
03. Gör posen själv
Jag får ofta en pose från någon i min studio som, även om det inte är illa, på något sätt är fel. Det första jag gör är att be dem att åtgärda det. Eftersom även den bästa riggade modellen kan göra saker som verkliga kroppar inte kan, måste du veta hur verkliga kroppar beter sig.
Är det bicep som visade sig för mycket för att resten av armen ska kunna poseras så? Kan tummen verkligen rotera så? Detta är ofta viktigare i avslappnade ställningar än actionbilder: du måste till exempel märka att den avslappnade händernas naturliga ställning är att vända in, med pinky som är böjdast och pekfingret som minst.
Ha en spegel vid din arbetsstation eller använd en webbkamera: dessa är också bra för att få nyanserna i ansiktsuttryck och kontrollera animeringsrörelser.
04. Testa silhuetten
Detta är ett gammalt art-school-trick, men vissa tycker att det bara är för konceptdesign nu, och det är det verkligen inte. Ta ställningen du arbetar med och låt ditt program visa det i platt-skuggat läge. Om din ställning inte är läsbar - vilket betyder att du inte kan berätta vad karaktären ska vara eller vad den gör - ändra den.
05. Tänk på skuggorna
Tänk på var dina skuggor kommer att falla i ställningen. Kastade skuggor ger alltid intresse. Om du tänker på din komposition som former och former, är skuggor det som definierar dessa former och former. Håret kastar skuggor tillbaka i ansiktet, medan svärdarmen kastar en skugga vinklat över kroppen.
06. Brännvidd
Du har en stor, heroisk karaktär som gör en stor, dynamisk actionposition - och den ser bara död och platt ut. Kontrollera kamerans brännvidd: Jag slår vad om att den är hög, över 70 mm eller så. Det kommer att platta ut bilden. För actionbilder, försök med 35 mm eller mindre på linsen: det kommer att öka dynamiken kraftigt genom att accentuera perspektivet. En lins över 70 mm är mer lämplig för porträttbilder av karaktärer där linsförvrängning inte behövs. Du vill inte att en stor näsa kommer direkt mot dig.
07. Asymmetrisk, inte symmetrisk
Speglade poser är lättare att göra, men de är bara ett mindre steg upp från en T-pose. Hela figuren är ditt designverktyg, så ta inte bort en hel sida - det är 50 procent av din bild. Det enda undantaget från detta är när du gör något som mer liknar ett grafiskt designelement.
08. Tänk på din ram
Jag måste ge heder till den fantastiska serietidningen Todd McFarlane för att han lärde mig detta tips under min tid som hans företags chefredaktör. Det mesta av tiden har du att göra med en rektangel eller kvadrat som ditt slutliga presentationsformat: oavsett om du skapar för den utskrivna sidan eller en skärm har du linjära kanter på sidan och botten.
Replikera inte dessa kanter i din bit! Ju mer du kan motsätta dig dessa linjer i din ställning, med lemmar och torsos vinkel mot dem, desto mer energi kommer ditt stycke att ha. Tänk på dessa gränser som designelement. Placera inte bara din figur i mitten av ramen. Om du beskär en del av ett huvud eller kropp kan det bli mycket mer intressant.
09. Tyngdlagar
Okej, så du har gjort allt vi har tänkt på hittills. Posen ser bra ut, men det finns något som inte är helt naturligt med det, och du kan inte sätta fingret på vad det är. Det finns verktyg i de flesta paket - tyngdkraft, autobalans, ragdoll - som hjälper genom att lägga vikt på ställningen. Använd ditt verktyg så ser du att figurens höfter skiftar som de skulle behöva för att karaktären inte skulle välta. De kan hjälpa till att göra en pose mer verklig.
10. Fuska
Vi har tittat på saker du ska göra, men glöm inte de saker du inte borde - vad är poängen med att ha regler om du inte kan bryta dem då och då? Gör vad du måste för att göra din pose intressant. Det kan innebära att du roterar en kropp till en position som inte kan hållas i verkliga livet för att föreslå rörelse, eller skalar en kroppsdel för att göra den längre, kortare eller större för att göra posen mer dynamisk.
Ord: Brian Haberlin
Brian Haberlin är en amerikansk serietidningsartist, författare, redaktör och producent. Han undervisar vid Minneapolis College of Art and Design och producerar tutorials.
